(2026) Alle lacrime - Concerti grossi in the legacy of Corelli
Kategorie(n): Alte Musik
Instrument(e): Geige
Hauptkomponist: Diverse Komponisten (siehe Sammlungen)
CD-Set: 1
Katalog Nr.:
CD 3130
Freigabe: 16.06.2026
EAN/UPC: 7619931313023
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ALLE LACRIME - CONCERTI GROSSI IN THE LEGACY OF CORELLI
Alle Lacrime... Zu Tränen rühren. Ob in überschwänglicher Freude oder tiefstem Kummer – diese italienischen Konzerte zeigen das gesamte Spektrum der Gefühle.
Als der große Arcangelo Corelli im Januar 1713 starb, hinterließ er nicht nur die Erinnerung an einen herausragenden Violinvirtuosen, sondern auch ein Vermächtnis, das seine Nachfolger in Italien und darüber hinaus tiefgreifend beeinflussen sollte. Georg Muffat brachte im Geiste harmonischer Zusammenarbeit die Eleganz und Disziplin von Lullys französischen Violinen nach Deutschland und wurde zum Botschafter des römischen Concerto grosso, indem er selbst Stücke im Stil seines berühmten Zeitgenossen komponierte. Muffat präsentiert dieses Genre als eine Art orchestrale Weiterentwicklung der Triosonate, was bedeutet, dass es bestimmte formale Merkmale teilt (die Unterscheidung zwischen dem da-camera-Genre mit seiner Tanzsuite und dem da-chiesa-Genre, das kontrapunktischer und abstrakter ist), aber vielleicht auch dessen Geist: Kammermusik, „erweitert“ durch die Klangfarben des Orchesters, was alle möglichen Kontraste und Nuancen ermöglicht. Diese Art der Orchestrierung, die einen Dialog zwischen zwei Instrumentengruppen schafft, hat ihren Ursprung auch in der Entwicklung des Oratoriums im 17. Jahrhundert und geht Hand in Hand mit einer fortschreitenden Emanzipation der Instrumente und der Entstehung des „Orchesters“ in einem Sinne, der dem heutigen Begriff nahekommt. Corelli wurde wahrscheinlich von seinem Kollegen Stradella inspiriert, der offenbar als Erster diese Unterteilung in Concertino und Ripieno in Instrumentalstücken vorschlug. Corellis zwölf Concerti grossi des Opus 6, die 1714 posthum veröffentlicht wurden, wurden dank ihrer formalen Perfektion und der angewandten Kompositionsprinzipien sowohl für seine Zeitgenossen als auch für seine Nachfolger zu einem absoluten Vorbild des Genres.
Pietro Locatelli
Unter Corellis Erben nimmt der Geigenvirtuose Pietro Antonio Locatelli einen herausragenden Platz ein. 1695 in Bergamo geboren, zeigte er frühes Talent für die Geige und ging 1711 nach Rom, um im Kreis um Corelli zu studieren, wobei ihn der Geiger Giuseppe Valentini wahrscheinlich durch die Feinheiten des römischen Musiklebens führte. Dort erwarb er sich unter den Instrumentalisten einen guten Ruf und war regelmäßig an Veranstaltungen unter der Schirmherrschaft der Familie Ottoboni beteiligt. 1721 veröffentlichte er in Amsterdam sein erstes Werk, seine XII concerti grossi opera prima, von denen die Konzerte 7 und 11 in diesem Programm enthalten sind. Dieses erste Werk, das Monsignore Camillo Cybo gewidmet ist – dem Verwalter des Papstes und Locatellis mutmaßlichem Gönner in Rom bis 1723 –, weist viele Anknüpfungspunkte an Corellis Vorbild auf, aber auch einige Neuerungen. Während die römische kontrapunktische Tradition gewürdigt wird und die Genres da chiesa (8 Konzerte) und da camera (4 Konzerte) klar definiert sind, hebt sich Locatelli dennoch von seinem berühmten Vorgänger ab, insbesondere durch die Hinzufügung einer Bratsche oder sogar zweier Bratschen zum traditionellen Concertino-Trio aus zwei Violinen und einem Cello. Das Konzert Nr. 7 in F-Dur nutzt die Schönheit dieses markanten Einsatzes zweier Violen und ihres Dialogs mit den beiden Violinen, insbesondere im zentralen Largo, das Locatellis Können in einem faszinierenden und fesselnden harmonischen Labyrinth zur Geltung bringt. Schließlich verwebt ein üppiges Allegro die Stimmen in einer überschwänglichen rhythmischen Komplexität. In nur drei Sätzen vereint es die Einflüsse sowohl von Corelli als auch von Vivaldi innerhalb des erweiterten Rahmens des Concerto grosso.
Das eher „klassisch“ geprägte Konzert Nr. 11 zeichnet sich dennoch durch seinen ersten Satz aus, der voller Überraschungen und ergreifender Ernsthaftigkeit ist, während die folgenden drei eine Reihe von Tänzen entfalten, die typisch für das da-camera-Genre sind.
Das 1741 komponierte Konzert „Il pianto d’Arianna“ weicht vollständig von Corellis Vorbild ab, indem es mit der Transkription von Elementen der Vokalkunst für Violine experimentiert, und reiht sich in die Tradition anderer „programmatischer“ Kompositionen ein (d. h. solcher, die eine Geschichte erzählen oder konkrete Elemente veranschaulichen), ein Genre, das im Laufe des Jahrhunderts beträchtliche Popularität erlangte. Als wahrhaftige Opernszene im Miniaturformat wechselt dieses Stück auf höchst originelle und ausdrucksstarke Weise zwischen Rezitativen, Arien und instrumentalen Kommentaren. Obwohl die genaue Inspirationsquelle, die dieser Komposition zugrunde liegt, unbekannt ist, kann man dennoch versuchen, die Handlung zu erraten, die vom Mythos der Ariadne inspiriert ist, die von Theseus an den Ufern der Insel Naxos zurückgelassen wurde. Der römische Dichter Catull illustrierte diese Episode der Verlassenheit in seinen Gedichten (Nr. 64), einem berühmten Gedicht, aus dem man, wenn schon keine Geschichte, so doch zumindest Szenen entnehmen kann, die die Fantasie beflügeln. Aus diesen Szenen ergibt sich eine mögliche Handlung: der Schlaf, in dem sich Ariadne befindet und den Theseus ausnutzt, um sie zu verlassen; seine Flucht über das Meer; Ariadnes Leid und Verzweiflung; der rachsüchtige Sturm, nach dem sie sich sehnt; und schließlich eine Verlassenheit, die in einem abschließenden Dur-Akkord gipfelt, wie ein Schimmer in der Corona Borealis, einer von Bacchus verliehenen Krone.
Charles Avison
Der englische Komponist Charles Avison, ein enger Freund des Geigers Francesco Geminiani, „schuf“ zwei der Werke in diesem Programm – Konzerte, die aus Stücken anderer Komponisten mit dem damals modischen Nachnamen Scarlatti erweitert wurden.
Zu seinen berühmtesten Werken zählen seine Transkriptionen von Domenico Scarlattis Sonaten für Cembalo, die ein gewisses Talent für Neuinterpretation bezeugen. Das in dieser Aufnahme enthaltene Konzert Nr. 5 ist eine Adaption von drei Sonaten (Kk. 11, Kk. 4 und Kk. 5) in die Form des Concerto grosso. Nur der erste Satz ist ein Originalwerk von Avison. Dennoch funktioniert die Bearbeitung wunderbar und ermöglicht in jedem der Sätze einen lebhaften Dialog zwischen den Concertino- und Ripieno-Stimmen, der so gewählt wurde, dass er dem Vorbild des Concerto da chiesa sehr nahekommt.
Das Concerto a sette parti hingegen ist das Ergebnis einer doppelten Anmaßung. Veröffentlicht in einer Sammlung mit dem Titel „Sechs Konzerte in sieben Sätzen für zwei Violinen und Violoncello obligato mit zwei Violinen sowie Tenor und Generalbass, komponiert von Sigr Alexander Scarlatti“, wurde es lange Zeit und ganz selbstverständlich Alessandro Scarlatti zugeschrieben. Der Musikwissenschaftler Michael Talbot wies jedoch in einem Artikel aus dem Jahr 2016 nach, dass diese Zuschreibung nicht so eindeutig war. Der Herausgeber dieser Sammlung, Benjamin Cooke, hatte in Charles Avison einen Komplizen, der Sonaten a quattro von Alessandro Scarlatti sowie von dessen Bruder Francesco Scarlatti einfach zusammengestellt und als Concerto grosso arrangiert hatte. Das hier vorgestellte Konzert gehört zum Schaffen des Letzteren und wurde vom englischen Komponisten im Concerto-grosso-Stil bearbeitet. Somit handelt es sich um eine doppelte Zuschreibung – an Francesco und an Avison – eines Werks, das den wachsenden Appetit in England auf Concerti a sette befeuerte, also auf drei Concertino-Instrumente (zwei Violinen und Cello) im Dialog mit den vier Ripieno-Stimmen.
In diesem Konzert in F-Dur leitet ein kurzes orchestrales Präludium einen langsamen Satz ein, in dem die Concertino- und Ripieno-Stimmen miteinander kommunizieren. Es folgt eine Fuge, die nur durch ein Zwischenspiel des ersten Concertinos in Sechzehntel-Figuren unterbrochen wird, die stark an Corellis Opus 5 erinnern. Die letzten beiden Sätze, Largo und Allegro, wechseln im Geiste einer Gigue zwischen Zweier- und Dreiertakt. In diesem Stück lassen sich Elemente des neuen galanten Stils sowie das römische Erbe und die neapolitanischen Wurzeln seines Komponisten erkennen.
Schließlich zeigt Giuseppe Sammartini in seinen 1738 in London veröffentlichten Konzerten des Opus 2, wie Tradition und eine gewisse Modernität in einer gelungenen Synthese zusammenfließen können. Im auf dieser Aufnahme enthaltenen Konzert Nr. 1 verbindet der Komponist eine äußerst wirkungsvolle französische Ouvertüre mit rein italienischen Elementen wie einem ausgeprägt römischen Kontrapunkt, einem gequälten Adagio und einem sehr lebhaften und kontrastreichen Allegro.
Die auf dieser Aufnahme präsentierten Werke zeugen von der anhaltenden Vitalität eines einzigartigen Erbes, das die Inspiration von Komponisten sowohl auf dem Kontinent als auch in England genährt hat, wobei jeder seinen eigenen Stil und Ansatz verfolgte. Wir haben versucht, diese Vielfalt und diesen Ausdrucksreichtum in einem eher kammermusikalischen als orchestralen Rahmen einzufangen: Dies zeigt sich in der Wahl eines minimalen Ensembles, aber auch in einer allgemeinen Philosophie, die diese Dialoge nicht in einem erschöpfenden Wettstreit zwischen Concertino und Ripieno gegeneinander ausspielt, sondern als Ganzes betrachtet – mit schimmernden, mal kontrastierenden, mal verschmelzenden Klangfarben, stets im Streben nach einem gemeinsamen Impuls.
Jonathan Nubel
Übersetzt aus dem Englischen mit www.DeepL.com/Translator
Le Moment Baroque
Le Moment Baroque ist ein Ensemble mit Sitz in Neuenburg (Schweiz), das sich auf die Aufführung von Barock- und Klassikmusik auf historischen Instrumenten spezialisiert hat. Es vereint professionelle Musiker mit unterschiedlichem musikalischem und geografischem Hintergrund, die durch eine gemeinsame künstlerische Vision verbunden sind, die sich durch Neugier, Leidenschaft und hohe musikalische Standards auszeichnet. Das Ensemble tritt sowohl als Kammermusikgruppe als auch mit einem Orchesterensemble auf.
Während der ursprüngliche Schwerpunkt auf der Begleitung von Chören in der französischsprachigen Schweiz lag, hat es sich durch seine Produktionen inzwischen als bedeutender Akteur der Alten Musik in der Schweiz etabliert. Le Moment Baroque ist zudem tief in der Region Neuenburg verwurzelt, wo es seinen künstlerischen Schwerpunkt hat und mit lokalen Kulturorganisationen zusammenarbeitet.
Sie haben 2014 Bachs Brandenburgische Konzerte, 2015 und 2024 italienische Concerti grossi, 2016 Händels Wassermusik unter der Leitung von Stephan McLeod, zusammen mit Marie Lys ein Programm mit Opernarien von Antonio Vivaldi und zuletzt klassische Sinfonien der Sturm-und-Drang-Bewegung aufgeführt. Le Moment Baroque trat bei Festivals wie Les Jardins Musicaux, Les Concerts de Romainmôtiers, Les Rencontres culturelles du Brassus, Les Musicales de Compesières und Les Tribunes Baroques sowie bei Les Amplitudes und dem Festival Archipels in Zusammenarbeit mit dem Nouvel Ensemble Contemporain auf.
LE MOMENT BAROQUE
Jonathan Nubel – erste Violine und Dirigent
Sandrine Feurer – Taillebois – zweite Violine
Nada Anderwert – erste Viola
Céline Portat – zweite Viola
Esther Monnat – erstes Cello
Hélène Galatea Conrad, Regula Schwab – erste Violinen
Estelle Beiner, Hernàn Linares – zweite Violinen
Jean Gaudy – Cello
Darija Andzakovic – Kontrabass
Philippe Despont – Cembalo
Jonathan Rubin – Theorbe
Jonathan Nubel
Jonathan Nubel studierte zunächst als Teenager im Selbststudium Barockvioline, anschließend bei Alice Piérot und Stéphanie Pfister am Konservatorium Straßburg, wo er sein Diplom in Alter Musik erwarb. In Meisterkursen wurde er zudem von Chiara Banchini und Didier Lockwood unterrichtet.
Seitdem hat er unter der Leitung von Dirigenten wie Ton Koopman, Christophe Coin, Michel Corboz, Jérôme Correas, Stephan McLeod und Martin Gester das gesamte Repertoire für historische Violine von der Renaissance bis zur zeitgenössischen Musik erkundet. Er ist auf den großen europäischen Bühnen engagiert und hat als Solist und Konzertmeister an zahlreichen Aufnahmen und Live-Aufführungen mitgewirkt, sowohl in Orchester- als auch in Kammermusikensembles, insbesondere mit Les Paladins, dem Ensemble l’Encyclopédie, Liberati und Gli Angeli.
Seit 2014 ist er künstlerischer Leiter und Soloviolinist des Schweizer Ensembles Le Moment Baroque. Er hat Kurse und Meisterkurse gegeben, insbesondere im Libanon und in Polen.
Zudem besitzt er einen Doktortitel in Kunstwissenschaften der Universität Straßburg, wo er Musikgeschichte lehrte und Mitglied mehrerer Forschungsteams war.
Übersetzt aus dem Englischen mit www.DeepL.com/Translator
(2026) Alle lacrime - Concerti grossi in the legacy of Corelli - CD 3130
Alle Lacrime... Zu Tränen rühren. Ob in überschwänglicher Freude oder tiefstem Kummer – diese italienischen Konzerte zeigen das gesamte Spektrum der Gefühle.
Als der große Arcangelo Corelli im Januar 1713 starb, hinterließ er nicht nur die Erinnerung an einen herausragenden Violinvirtuosen, sondern auch ein Vermächtnis, das seine Nachfolger in Italien und darüber hinaus tiefgreifend beeinflussen sollte. Georg Muffat brachte im Geiste harmonischer Zusammenarbeit die Eleganz und Disziplin von Lullys französischen Violinen nach Deutschland und wurde zum Botschafter des römischen Concerto grosso, indem er selbst Stücke im Stil seines berühmten Zeitgenossen komponierte. Muffat präsentiert dieses Genre als eine Art orchestrale Weiterentwicklung der Triosonate, was bedeutet, dass es bestimmte formale Merkmale teilt (die Unterscheidung zwischen dem da-camera-Genre mit seiner Tanzsuite und dem da-chiesa-Genre, das kontrapunktischer und abstrakter ist), aber vielleicht auch dessen Geist: Kammermusik, „erweitert“ durch die Klangfarben des Orchesters, was alle möglichen Kontraste und Nuancen ermöglicht. Diese Art der Orchestrierung, die einen Dialog zwischen zwei Instrumentengruppen schafft, hat ihren Ursprung auch in der Entwicklung des Oratoriums im 17. Jahrhundert und geht Hand in Hand mit einer fortschreitenden Emanzipation der Instrumente und der Entstehung des „Orchesters“ in einem Sinne, der dem heutigen Begriff nahekommt. Corelli wurde wahrscheinlich von seinem Kollegen Stradella inspiriert, der offenbar als Erster diese Unterteilung in Concertino und Ripieno in Instrumentalstücken vorschlug. Corellis zwölf Concerti grossi des Opus 6, die 1714 posthum veröffentlicht wurden, wurden dank ihrer formalen Perfektion und der angewandten Kompositionsprinzipien sowohl für seine Zeitgenossen als auch für seine Nachfolger zu einem absoluten Vorbild des Genres.
Pietro Locatelli
Unter Corellis Erben nimmt der Geigenvirtuose Pietro Antonio Locatelli einen herausragenden Platz ein. 1695 in Bergamo geboren, zeigte er frühes Talent für die Geige und ging 1711 nach Rom, um im Kreis um Corelli zu studieren, wobei ihn der Geiger Giuseppe Valentini wahrscheinlich durch die Feinheiten des römischen Musiklebens führte. Dort erwarb er sich unter den Instrumentalisten einen guten Ruf und war regelmäßig an Veranstaltungen unter der Schirmherrschaft der Familie Ottoboni beteiligt. 1721 veröffentlichte er in Amsterdam sein erstes Werk, seine XII concerti grossi opera prima, von denen die Konzerte 7 und 11 in diesem Programm enthalten sind. Dieses erste Werk, das Monsignore Camillo Cybo gewidmet ist – dem Verwalter des Papstes und Locatellis mutmaßlichem Gönner in Rom bis 1723 –, weist viele Anknüpfungspunkte an Corellis Vorbild auf, aber auch einige Neuerungen. Während die römische kontrapunktische Tradition gewürdigt wird und die Genres da chiesa (8 Konzerte) und da camera (4 Konzerte) klar definiert sind, hebt sich Locatelli dennoch von seinem berühmten Vorgänger ab, insbesondere durch die Hinzufügung einer Bratsche oder sogar zweier Bratschen zum traditionellen Concertino-Trio aus zwei Violinen und einem Cello. Das Konzert Nr. 7 in F-Dur nutzt die Schönheit dieses markanten Einsatzes zweier Violen und ihres Dialogs mit den beiden Violinen, insbesondere im zentralen Largo, das Locatellis Können in einem faszinierenden und fesselnden harmonischen Labyrinth zur Geltung bringt. Schließlich verwebt ein üppiges Allegro die Stimmen in einer überschwänglichen rhythmischen Komplexität. In nur drei Sätzen vereint es die Einflüsse sowohl von Corelli als auch von Vivaldi innerhalb des erweiterten Rahmens des Concerto grosso.
Das eher „klassisch“ geprägte Konzert Nr. 11 zeichnet sich dennoch durch seinen ersten Satz aus, der voller Überraschungen und ergreifender Ernsthaftigkeit ist, während die folgenden drei eine Reihe von Tänzen entfalten, die typisch für das da-camera-Genre sind.
Das 1741 komponierte Konzert „Il pianto d’Arianna“ weicht vollständig von Corellis Vorbild ab, indem es mit der Transkription von Elementen der Vokalkunst für Violine experimentiert, und reiht sich in die Tradition anderer „programmatischer“ Kompositionen ein (d. h. solcher, die eine Geschichte erzählen oder konkrete Elemente veranschaulichen), ein Genre, das im Laufe des Jahrhunderts beträchtliche Popularität erlangte. Als wahrhaftige Opernszene im Miniaturformat wechselt dieses Stück auf höchst originelle und ausdrucksstarke Weise zwischen Rezitativen, Arien und instrumentalen Kommentaren. Obwohl die genaue Inspirationsquelle, die dieser Komposition zugrunde liegt, unbekannt ist, kann man dennoch versuchen, die Handlung zu erraten, die vom Mythos der Ariadne inspiriert ist, die von Theseus an den Ufern der Insel Naxos zurückgelassen wurde. Der römische Dichter Catull illustrierte diese Episode der Verlassenheit in seinen Gedichten (Nr. 64), einem berühmten Gedicht, aus dem man, wenn schon keine Geschichte, so doch zumindest Szenen entnehmen kann, die die Fantasie beflügeln. Aus diesen Szenen ergibt sich eine mögliche Handlung: der Schlaf, in dem sich Ariadne befindet und den Theseus ausnutzt, um sie zu verlassen; seine Flucht über das Meer; Ariadnes Leid und Verzweiflung; der rachsüchtige Sturm, nach dem sie sich sehnt; und schließlich eine Verlassenheit, die in einem abschließenden Dur-Akkord gipfelt, wie ein Schimmer in der Corona Borealis, einer von Bacchus verliehenen Krone.
Charles Avison
Der englische Komponist Charles Avison, ein enger Freund des Geigers Francesco Geminiani, „schuf“ zwei der Werke in diesem Programm – Konzerte, die aus Stücken anderer Komponisten mit dem damals modischen Nachnamen Scarlatti erweitert wurden.
Zu seinen berühmtesten Werken zählen seine Transkriptionen von Domenico Scarlattis Sonaten für Cembalo, die ein gewisses Talent für Neuinterpretation bezeugen. Das in dieser Aufnahme enthaltene Konzert Nr. 5 ist eine Adaption von drei Sonaten (Kk. 11, Kk. 4 und Kk. 5) in die Form des Concerto grosso. Nur der erste Satz ist ein Originalwerk von Avison. Dennoch funktioniert die Bearbeitung wunderbar und ermöglicht in jedem der Sätze einen lebhaften Dialog zwischen den Concertino- und Ripieno-Stimmen, der so gewählt wurde, dass er dem Vorbild des Concerto da chiesa sehr nahekommt.
Das Concerto a sette parti hingegen ist das Ergebnis einer doppelten Anmaßung. Veröffentlicht in einer Sammlung mit dem Titel „Sechs Konzerte in sieben Sätzen für zwei Violinen und Violoncello obligato mit zwei Violinen sowie Tenor und Generalbass, komponiert von Sigr Alexander Scarlatti“, wurde es lange Zeit und ganz selbstverständlich Alessandro Scarlatti zugeschrieben. Der Musikwissenschaftler Michael Talbot wies jedoch in einem Artikel aus dem Jahr 2016 nach, dass diese Zuschreibung nicht so eindeutig war. Der Herausgeber dieser Sammlung, Benjamin Cooke, hatte in Charles Avison einen Komplizen, der Sonaten a quattro von Alessandro Scarlatti sowie von dessen Bruder Francesco Scarlatti einfach zusammengestellt und als Concerto grosso arrangiert hatte. Das hier vorgestellte Konzert gehört zum Schaffen des Letzteren und wurde vom englischen Komponisten im Concerto-grosso-Stil bearbeitet. Somit handelt es sich um eine doppelte Zuschreibung – an Francesco und an Avison – eines Werks, das den wachsenden Appetit in England auf Concerti a sette befeuerte, also auf drei Concertino-Instrumente (zwei Violinen und Cello) im Dialog mit den vier Ripieno-Stimmen.
In diesem Konzert in F-Dur leitet ein kurzes orchestrales Präludium einen langsamen Satz ein, in dem die Concertino- und Ripieno-Stimmen miteinander kommunizieren. Es folgt eine Fuge, die nur durch ein Zwischenspiel des ersten Concertinos in Sechzehntel-Figuren unterbrochen wird, die stark an Corellis Opus 5 erinnern. Die letzten beiden Sätze, Largo und Allegro, wechseln im Geiste einer Gigue zwischen Zweier- und Dreiertakt. In diesem Stück lassen sich Elemente des neuen galanten Stils sowie das römische Erbe und die neapolitanischen Wurzeln seines Komponisten erkennen.
Schließlich zeigt Giuseppe Sammartini in seinen 1738 in London veröffentlichten Konzerten des Opus 2, wie Tradition und eine gewisse Modernität in einer gelungenen Synthese zusammenfließen können. Im auf dieser Aufnahme enthaltenen Konzert Nr. 1 verbindet der Komponist eine äußerst wirkungsvolle französische Ouvertüre mit rein italienischen Elementen wie einem ausgeprägt römischen Kontrapunkt, einem gequälten Adagio und einem sehr lebhaften und kontrastreichen Allegro.
Die auf dieser Aufnahme präsentierten Werke zeugen von der anhaltenden Vitalität eines einzigartigen Erbes, das die Inspiration von Komponisten sowohl auf dem Kontinent als auch in England genährt hat, wobei jeder seinen eigenen Stil und Ansatz verfolgte. Wir haben versucht, diese Vielfalt und diesen Ausdrucksreichtum in einem eher kammermusikalischen als orchestralen Rahmen einzufangen: Dies zeigt sich in der Wahl eines minimalen Ensembles, aber auch in einer allgemeinen Philosophie, die diese Dialoge nicht in einem erschöpfenden Wettstreit zwischen Concertino und Ripieno gegeneinander ausspielt, sondern als Ganzes betrachtet – mit schimmernden, mal kontrastierenden, mal verschmelzenden Klangfarben, stets im Streben nach einem gemeinsamen Impuls.
Jonathan Nubel
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Le Moment Baroque
Le Moment Baroque ist ein Ensemble mit Sitz in Neuenburg (Schweiz), das sich auf die Aufführung von Barock- und Klassikmusik auf historischen Instrumenten spezialisiert hat. Es vereint professionelle Musiker mit unterschiedlichem musikalischem und geografischem Hintergrund, die durch eine gemeinsame künstlerische Vision verbunden sind, die sich durch Neugier, Leidenschaft und hohe musikalische Standards auszeichnet. Das Ensemble tritt sowohl als Kammermusikgruppe als auch mit einem Orchesterensemble auf.
Während der ursprüngliche Schwerpunkt auf der Begleitung von Chören in der französischsprachigen Schweiz lag, hat es sich durch seine Produktionen inzwischen als bedeutender Akteur der Alten Musik in der Schweiz etabliert. Le Moment Baroque ist zudem tief in der Region Neuenburg verwurzelt, wo es seinen künstlerischen Schwerpunkt hat und mit lokalen Kulturorganisationen zusammenarbeitet.
Sie haben 2014 Bachs Brandenburgische Konzerte, 2015 und 2024 italienische Concerti grossi, 2016 Händels Wassermusik unter der Leitung von Stephan McLeod, zusammen mit Marie Lys ein Programm mit Opernarien von Antonio Vivaldi und zuletzt klassische Sinfonien der Sturm-und-Drang-Bewegung aufgeführt. Le Moment Baroque trat bei Festivals wie Les Jardins Musicaux, Les Concerts de Romainmôtiers, Les Rencontres culturelles du Brassus, Les Musicales de Compesières und Les Tribunes Baroques sowie bei Les Amplitudes und dem Festival Archipels in Zusammenarbeit mit dem Nouvel Ensemble Contemporain auf.
LE MOMENT BAROQUE
Jonathan Nubel – erste Violine und Dirigent
Sandrine Feurer – Taillebois – zweite Violine
Nada Anderwert – erste Viola
Céline Portat – zweite Viola
Esther Monnat – erstes Cello
Hélène Galatea Conrad, Regula Schwab – erste Violinen
Estelle Beiner, Hernàn Linares – zweite Violinen
Jean Gaudy – Cello
Darija Andzakovic – Kontrabass
Philippe Despont – Cembalo
Jonathan Rubin – Theorbe
Jonathan Nubel
Jonathan Nubel studierte zunächst als Teenager im Selbststudium Barockvioline, anschließend bei Alice Piérot und Stéphanie Pfister am Konservatorium Straßburg, wo er sein Diplom in Alter Musik erwarb. In Meisterkursen wurde er zudem von Chiara Banchini und Didier Lockwood unterrichtet.
Seitdem hat er unter der Leitung von Dirigenten wie Ton Koopman, Christophe Coin, Michel Corboz, Jérôme Correas, Stephan McLeod und Martin Gester das gesamte Repertoire für historische Violine von der Renaissance bis zur zeitgenössischen Musik erkundet. Er ist auf den großen europäischen Bühnen engagiert und hat als Solist und Konzertmeister an zahlreichen Aufnahmen und Live-Aufführungen mitgewirkt, sowohl in Orchester- als auch in Kammermusikensembles, insbesondere mit Les Paladins, dem Ensemble l’Encyclopédie, Liberati und Gli Angeli.
Seit 2014 ist er künstlerischer Leiter und Soloviolinist des Schweizer Ensembles Le Moment Baroque. Er hat Kurse und Meisterkurse gegeben, insbesondere im Libanon und in Polen.
Zudem besitzt er einen Doktortitel in Kunstwissenschaften der Universität Straßburg, wo er Musikgeschichte lehrte und Mitglied mehrerer Forschungsteams war.
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