MAX BRUCH: Violinkonzert Nr. 2 in d-Moll, Op. 44 – Schottische Fantasie

Als ein Freund ihn fragte, warum er, obwohl er ein ausgezeichneter Pianist sei, nicht mehr für das Klavier komponiere und sich so sehr zu Streichinstrumenten, insbesondere zur Violine, hingezogen fühle, antwortete Max Bruch: „Weil eine Geige eine Melodie besser singen kann als ein Klavier, und die Melodie ist die Seele der Musik.“ Er wurde am 6. Januar 1838 in Köln als Sohn eines Polizeibeamten geboren und erhielt seine frühe musikalische Ausbildung von seiner Mutter, einer Sängerin. Bereits im Alter von neun Jahren erregten seine ersten Kompositionen Aufmerksamkeit. Fünf Jahre später gewann Bruch einen Preis, der es ihm ermöglichte, bei Ferdinand Hiller, Carl Reinecke und Ferdinand Breunung zu studieren. Nach einer frühen Oper, deren Orchesterfassung verloren gegangen ist, erlangte er Anerkennung mit seiner Oper Die Loreley nach einem Libretto von Emanuel Geibel – an dem Felix Mendelssohn vor seinem frühen Tod gearbeitet hatte – sowie mit seiner Kantate Frithjof. 1865 wurde er zum Kapellmeister in Koblenz ernannt (wo er zwei Jahre blieb) und schrieb dort sein erstes Violinkonzert op. 26 in g-Moll, das sofort Erfolg hatte. 1870 gab er seine Stelle als Kapellmeister in Sondershausen auf, um sich in Berlin ganz dem Komponieren und Dirigieren zu widmen. Anschließend war er als Musikdirektor in Liverpool tätig (1878–1880) – ein Beweis für seinen europäischen Ruf – und wurde ab den 1890er Jahren ein renommierter Professor für Komposition am Berliner Konservatorium, wo unter anderem Ottorino Respighi und Ralph Vaughan Williams zu seinen Schülern zählten.

Im Jahr 1871 lernte er in Zürich Pablo de Sarasate kennen. Er lud den gefeierten spanischen Geiger nach Frankfurt ein, wo Sarasate den Komponisten in seinen Bann zog. Bruch beschrieb das Konzert in einem Brief vom 18. Februar 1877: „Er spielte, ich dirigierte. Überall war das Publikum außer sich; so etwas habe ich noch nie erlebt. Wenn ich das Wort ‚begeistern‘ verwenden darf, dann würde ich sagen: Ich bin begeistert von diesem Pablo. Ein außergewöhnlicher Geiger und ein charmanter Mensch. Ich werde wieder für ihn komponieren – das steht fest.“ Im folgenden Monat teilte Bruch seinem Verleger Fritz Simrock mit, dass er bereits Ideen für ein neues Konzert für Sarasate habe, das während dessen bevorstehender Europatournee aufgeführt werden solle. Der Komponist und der Interpret trafen sich mehrmals, unter anderem in Baden-Baden und London; sie nahmen verschiedene Überarbeitungen an dem Werk vor, das – in seiner Manuskriptfassung – am 4. November 1877 im Crystal Palace in London uraufgeführt wurde. Obwohl das Konzert vom Publikum begeistert aufgenommen wurde, war Max Bruch von den zahlreichen Kritiken, die es hervorrief, tief getroffen. Er nahm verschiedene Meinungen zur Kenntnis und überarbeitete das Werk vor seiner endgültigen Veröffentlichung mehrmals: „Ich bin zutiefst bestürzt und möchte vorerst nichts mehr von dieser Aufführung und der unvermeidlichen Flut von Boshaftigkeiten und Beleidigungen aller Art hören, die mein Werk von Anfang an ruiniert haben“, schrieb er am 28. Januar 1878 an seinen Verleger.

Tatsächlich ist die Struktur dieses Konzerts etwas verwirrend. Es soll vom politischen Kontext Spaniens und den Karlistenkriegen inspiriert worden sein, was ihm seinen dramatischen und leidenschaftlichen Charakter verleiht. Der erste Satz überrascht mit seiner Tempobezeichnung Adagio ma non troppo im 4/4-Takt und in Sonatenform – wo man eigentlich einen schnell beginnenden Satz erwarten würde. Der Solist, eine echte Persönlichkeit für sich, scheint das erste verträumte Thema zu improvisieren, wie eine ausgedehnte Kadenz, unterstützt von einem düsteren Orchester, das von Pauken unterbrochen wird. Das zweite Thema, eingeleitet durch eine eher martialische Episode in den Holzbläsern, entfaltet eine Träumerei in F-Dur vor dem Hintergrund der Streicher. Die Durchführung erinnert an die Bratsche in Berlioz’ „Harold in Italien“, wobei die Violine scheinbar über dem Geschehen schwebt, als würde sie es kommentieren, bevor die Reprise folgt, in der die Doppelgriffe eher eine dramatische als eine virtuose Rolle spielen, gefolgt von der beruhigenden Auflösung der Kadenz. Nach Ansicht des Musikwissenschaftlers Wilhelm Altmann steht das erste Thema für im Kampf gefallene Krieger und das zweite für eine Frau, die unter den Toten nach ihrem Geliebten sucht. Der zweite Satz, „Recitativo, Allegro moderato“ in B-Dur im 4/4-Takt, beginnt als Rezitativ, gefolgt von einer Kadenz; nach einem Abschnitt im bacchischen Rhythmus (kurz, lang, lang) geht er in eine Fantasie in vier Abschnitten über. Schließlich der dritte Satz, „Allegro molto“ im 3/8-Takt, in Rondo-Sonatenform und hebt den Dialog zwischen dem Tutti und dem Solisten hervor, bevor eine virtuose Durchführung folgt.

Dieses Konzert offenbart somit Bruchs Vorliebe für Fantasie, die sich auch in seiner „Scottish Fantasy“, Op. 46, mit dem Untertitel „Fantasie für Violine mit Orchester und Harfe unter freier Verwendung schottischer Volksmelodien“ widerspiegelt. Der Komponist schätzte die Romane von Walter Scott und liebte Volksmelodien: 1863 schrieb er eine Sammlung von Zwölf schottischen Volksliedern für Gesang und Klavier. In derselben Zeit, während er den Stern’schen Gesangsverein in Berlin dirigierte – einen Chor, dem viele Sänger jüdischen Glaubens angehörten –, schrieb er sein berühmtes Kol Nidrei für Cello und Orchester. Er bediente sich zudem schwedischer und russischer Melodien. Die Schottische Fantasie, die im Winter 1879–1880 komponiert wurde, war ebenfalls für Pablo de Sarasate bestimmt. Manche haben sie als ein nicht als solches anerkanntes Konzert betrachtet: „Man kann nicht wirklich von einem Konzert sprechen“, antwortete Max Bruch, „wegen der völligen Freiheit, mit der das Werk als Ganzes aufgebaut ist, und auch wegen der Verwendung von Volksmelodien.“ Nach einer feierlichen Einleitung folgt ein Adagio cantabile in Es-Dur, dessen Thema die Ballade Auld Robin Morris ist, die die Geschichte einer unmöglichen Liebe erzählt. Darauf folgt ein schnelles Allegro im 3/8-Takt, in dem die Melodie „The Dusty Miller“ zu hören ist, ursprünglich ein Instrumentaltanz, der 1788 vom Dichter Robert Burns mit einem Text versehen wurde. Sein humorvoller Charakter spiegelt sich im Dialog zwischen der Flöte und dem Solisten wider. Das Andante sostenuto im 4/4-Takt, in As-Dur, folgt ohne Pause. Es erinnert an das Lied „I’m a’down for lack o’Johnnie“, eine sehr alte traditionelle Melodie, die die Melancholie eines jungen Mädchens zum Ausdruck bringt. Schließlich folgt das Finale, vom Komponisten mit „ Allegro guerriero“ im 4/4-Takt vom Komponisten, greift die berühmte patriotische Hymne Scots wha hae where Wallace bled auf und beschwört die Wahl zwischen Freiheit und Knechtschaft sowie die Erinnerung an jene herauf, die in diesen Schlachten ihr Blut vergossen haben.

Max Bruch ist als Komponist eines einzigen Konzerts in die Geschichte eingegangen; er beklagte sich bitterlich darüber, dass der Erfolg seines ersten Konzerts die beiden anderen in den Schatten stellte: „Ich kann es nicht mehr ertragen, dieses Konzert zu hören – habe ich wirklich nur dieses eine Konzert geschrieben? Na gut, dann spielt doch endlich die anderen Konzerte, die genauso gut, wenn nicht sogar besser sind!“, schrieb er. Darüber hinaus litt er als Zeitgenosse von Brahms, mit dem er die gleiche Ästhetik teilte, lange Zeit darunter, mit dem Mann verglichen zu werden, der laut Hanslick Beethovens „Zehnte Symphonie“ geschrieben hatte. Schließlich wurde er wegen seines Anachronismus kritisiert, wegen seiner Treue zur romantischen Sprache Mendelssohns oder Schumanns, obwohl viele seiner Werke zeitgleich mit denen von Ravel, Debussy oder Strawinsky entstanden sind. Seine Opernpartituren wie Arminius oder Odysseus erfreuten sich jedoch eines gewissen Erfolgs. Dabei wird Bruchs Talent als Melodiker übersehen, seine Gabe, lange musikalische Phrasen zu schaffen, deren natürlicher Fluss an die Ausdruckskraft der menschlichen Stimme erinnert. Diese Aufnahme ist daher ein Meilenstein für die Anerkennung des lyrischen und ausdrucksstarken Talents des Komponisten.

Bénédicte Gandois
Übersetzt aus dem Englischen mit www.DeepL.com/Translator

OLEG KASKIV

Der ukrainische Geiger Oleg Kaskiv steht in einer musikalischen Tradition, die eng mit Yehudi Menuhin und Alberto Lysy verbunden ist. Seit fast drei Jahrzehnten steht die Schweiz im Mittelpunkt seines künstlerischen Lebens, neben seinen ukrainischen musikalischen Wurzeln und einer internationalen Karriere als Solist, Kammermusiker und Aufnahmekünstler.

Er wurde 1978 in Kremenets in der Ukraine geboren und erhielt seine frühe musikalische Ausbildung an der Solomiya-Krushelnytska-Fachmusikschule in Lemberg, bevor er sein Studium an der Nationalen Musikakademie Lemberg bei Tetiana Syrotiuk und Bohdan Kaskiv fortsetzte. Ein entscheidender Moment kam 1996, als er in die Schweiz zog, um an der von Yehudi Menuhin gegründeten Internationalen Menuhin-Musikakademie zu studieren. Dort studierte er bei Alberto Lysy, einem engen Schüler und künstlerischen Weggefährten Menuhins, dessen musikalische Ideale und Herangehensweise an das Geigenspiel seine eigene künstlerische Entwicklung nachhaltig prägten.

Internationale Anerkennung folgte durch eine Reihe bedeutender Wettbewerbe. Er wurde Preisträger des Königin-Elisabeth-Wettbewerbs in Brüssel, des Internationalen Violinwettbewerbs von Montreal, des Louis-Spohr-Wettbewerbs in Weimar und des David-Oistrach-Wettbewerbs in Odessa. Seine Tätigkeit als Solist führte ihn mit Orchestern wie dem Nationalorchester von Belgien, dem Montreal Symphony Orchestra, dem Zürcher Sinfonieorchester, dem Sinfonieorchester Baden-Baden, dem Gstaad Festival Orchestra, der Camerata de Lausanne und der Camerata Lysy zusammen.

Sein musikalisches Leben ist zudem eng mit dem Aufnehmen verbunden. Zu seiner Diskografie gehören Mendelssohns und Dorátis Oktette mit der Camerata Lysy (DINEMEC); The Colours of Antonio Stradivari, eingespielt auf der „Szigeti“-Stradivari von 1718 (Claves); die Oktette von Svendsen und Bruch (Claves); Beethovens Violinkonzert mit dem Gstaad Festival Orchestra (Claves); Pierre Wissmers Violinkonzerte mit der Sinfonia Varsovia (Claves); sowie „The Colours of Giuseppe Guarneri del Gesù“, das Ysaÿes „Sechs Sonaten für Solovioline“ (Claves) gewidmet ist.

Die Internationale Menuhin-Musikakademie ist nach wie vor ein zentraler Bestandteil seines musikalischen Lebens. Nach Abschluss seines Studiums trat er in den Lehrkörper der Akademie ein und übernahm nach und nach eine führende Rolle bei der Fortführung der von Menuhin und Lysy übernommenen Geigentradition. Heute verbindet er als künstlerischer Leiter und Professor für Violine sein Konzertleben mit der Ausbildung einer neuen Generation von Musikern. Seine Schüler haben Preise bei bedeutenden internationalen Wettbewerben gewonnen und sind als Solisten und Mitglieder führender Orchester tätig geworden.

SINFONIA VARSOVIA

Sinfonia Varsovia ist seit ihrer Gründung ein Botschafter der polnischen Musikkultur. Seit über 40 Jahren ist das Orchester regelmäßig zu Gast auf Bühnen im In- und Ausland. Seine Auslandsreisen umfassen Tausende von Begegnungen mit Dirigenten, Komponisten, Solisten und schließlich – dem Publikum.

Das Ensemble führt die Tradition des 1972 gegründeten Polnischen Kammerorchesters von Jerzy Maksymiuk fort, aus dem es im Zuge dessen Erweiterung hervorging. Den Anstoß zur Erweiterung des Ensembles gab 1984 die Ankunft des legendären Geigers Yehudi Menuhin, der auf Einladung der Intendanten Franciszek Wybrańczyk und Waldemar Dąbrowski bald die Rolle des ersten Gastdirigenten übernahm. „Keine andere Zusammenarbeit mit einem Orchester hat mir so viel Befriedigung verschafft wie meine Arbeit als Solist und Dirigent mit dem Sinfonia Varsovia-Orchester“, sagte er in Interviews.

Im Laufe der Jahre hat die Sinfonia Varsovia mehr als 4.000 Konzerte gegeben und unter Dirigenten wie Claudio Abbado, Emmanuel Krivine, Witold Lutosławski, Lorin Maazel, Jerzy Maksymiuk und Krzysztof Penderecki (der 1997 Musikdirektor und im Juni 2003 künstlerischer Leiter des Ensembles wurde) sowie an der Seite von Solisten wie Piotr Anderszewski, Martha Argerich, Alfred Brendel, Gidon Kremer, Nikolai Lugansky, Anne-Sophie Mutter, Maria João Pires und Mstislav Rostropovich.

Sinfonia Varsovia hat mehr als 300 Aufnahmen veröffentlicht, unter anderem bei Decca, der Deutschen Grammophon, Naxos, Sony und Warner. Das eingespielte Repertoire umfasst Werke vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart. Einen besonderen Platz im Konzertprogramm des Orchesters nehmen die Werke polnischer Komponisten ein; es hat zahlreiche Werke von Komponisten wie Henryk Mikołaj Górecki, Paweł Mykietyn und Krzysztof Penderecki uraufgeführt.

Sinfonia Varsovia hat einen Wettbewerb für den architektonischen Entwurf eines Musikzentrums mit dem größten Konzertsaal Polens ausgeschrieben. Das Projekt wird mit finanzieller Unterstützung der Hauptstadt Warschau realisiert.

Seit 2004 wird die Leitung von Janusz Marynowski wahrgenommen.

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LAURENT ZUFFEREY

Laurent Zufferey, 1993 in Sion geboren, ist ein Schweizer Dirigent und Absolvent des Royal Northern College of Music in Manchester, wo er seinen Master mit Auszeichnung abschloss. Nachdem er beim Internationalen Dirigentenwettbewerb in Augsburg den 3. Preis gewonnen hatte, wurde er 2021 von Paavo Järvi an die Tonhalle-Orchester-Zürich-Akademie eingeladen, wo er den Publikumspreis erhielt. Im selben Jahr lud ihn Teodor Currentzis zur MusicAeterna-Residenz in Luzern ein, wo er im Rahmen einer öffentlichen Meisterklasse Mahlers 5. Sinfonie dirigierte.

Er war nacheinander als Assistenzdirigent bei der Basel Sinfonietta und dem Orchestre Philharmonique Royal de Liège tätig und ist seit September 2023 Assistenzdirigent beim Orchestre national de Lyon.

Im März 2025 gab Zufferey sein Debüt in der Philharmonie de Paris, wo er Nikolaj Szeps-Znaider am Pult des Orchestre national de Lyon ablöste und unter anderem die Uraufführung von Ibrahim Maaloufs Trompetenkonzert dirigierte, das vom Komponisten selbst gespielt wurde.

Im Laufe seiner Dirigentenkarriere hat Laurent zudem mit renommierten Orchestern wie dem Orchestre National de Lille, dem Orchestre Philharmonique Royal de Liège, dem Orchestre National de Metz, dem Orchestre de Picardie, dem Stavanger Symphony Orchestra, der Manchester Camerata, den Augsburger Philharmonikern, der Sinfonietta de Lausanne, der Kammerphilharmonie Graubünden, dem Crans-Montana Classics Festival und der Argovia Philharmonic zusammengearbeitet.

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