Gesamtausgabe der Streichquintette

Während das Streichquartett ab den 1760er Jahren seine bekannte Entwicklung durchlief, blieb das Streichquintett – das vielleicht 1773 von Michael Haydn geschaffen wurde – eher eine Randerscheinung. Der damals siebzehnjährige Wolfgang Amadeus entdeckte das Genre nach seiner Rückkehr aus Italien. Das reichte aus, um den Teenager zu inspirieren, der es liebte, bei Quartettaufführungen die Bratsche zu spielen. Nach Mozarts sechs Quintetten mit zwei Bratschen blieb diese Besetzung ungewöhnlich – Boccherini komponierte über hundert Quintette, allerdings mit zwei Celli, ebenso wie Schubert –, vielleicht weil sich das Genre nur schwer von der Unterhaltungsmusik abgrenzen konnte. Michael Haydn betitelte sein erstes Quintett mit „Notturno”, während Mozart sein erstes Quintett im Stil eines „Divertimento” schrieb.

Das erste Quintett KV 174 in B-Dur war ein Produkt der kreativen Explosion des Jahres 1773, einem äußerst fruchtbaren Jahr, in dem Mozart auch sein Klavierkonzert in D-Dur, drei Sinfonien und sechs Joseph Haydn gewidmete Quartette komponierte. Nach einer ersten Fassung, die im Frühjahr entstanden war, wurde das Stück im Dezember umfassend überarbeitet. Das Allegro in Sonatenform zeichnet sich durch einen Dialog zwischen der ersten Violine und der ersten Bratsche aus; die anschließende Durchführung offenbart eine dramatische Stimmung, die im Kontrast zur Reprise steht. Dämpfer verleihen dem Adagio seine nächtliche Atmosphäre in einer Sonatenform, die praktisch keine Durchführung enthält, die auf wenige Takte reduziert ist. Das Minuetto ist ein fröhlicher und geradliniger Satz, der den Dialog zwischen der ersten Violine und der ersten Bratsche wieder aufgreift. Das Finale nimmt fast die Hälfte der Gesamtdauer des Werks ein; dieser unverhältnismäßig lange Satz ist dennoch „eine der ambitioniertesten und ausgefeiltesten Sonatenformen, die der junge Mozart konzipiert hat“ (H. Halbreich). Die Exposition präsentiert ein erstes Thema in wiederholten Achtelnoten, auf das das Cello mit einem Sechzehntelmotiv antwortet, das auch in die Entwicklung eingewoben ist. Dies führt zunächst zu einer „falschen Reprise”, wie sie Haydn in seinen Quartetten bevorzugte. Nach einer stark modulierenden Passage kommt schließlich die eigentliche Reprise zum Vorschein. Trotz seiner Jugend ist der 17-jährige Mozart bereits ein Meister des Genres.

Nach diesem ersten Quintett entstanden die nächsten beiden erst vierzehn Jahre später. Sie wurden 1787 geschrieben, nach dem Erfolg von Die Hochzeit des Figaro in Prag und vor der Uraufführung von Don Giovanni. Diese beiden umfangreichen Werke – komponiert in einem feierlichen und heiteren C-Dur bzw. einem angstvollen g-Moll – sind bemerkenswerte Meisterwerke aus der Reifezeit des Komponisten. Ihre Entstehung steht in Zusammenhang mit einem Brief, den Mozart an seinen Vater schrieb, der damals schwer krank war und weniger als zwei Wochen später sterben sollte.

„Da der Tod (streng genommen) das wahre Endziel unseres Lebens ist, habe ich mich in den letzten Jahren so sehr mit diesem wahren, besten Freund des Menschen vertraut gemacht, dass sein Bild für mich nicht nur nichts Schreckliches mehr hat, sondern auch viel Beruhigendes und Tröstliches! Und ich danke meinem Gott, dass er mir das Glück gewährt hat, die Gelegenheit zu schaffen (Sie verstehen mich), ihn als Schlüssel zu unserem wahren Glück kennenzulernen. Ich lege mich nie schlafen, ohne daran zu denken, dass ich (so jung ich auch sein mag) am nächsten Tag vielleicht nicht mehr existieren werde – und sicherlich wird keiner meiner Bekannten sagen können, dass ich mürrisch oder traurig bin – und für diese Glückseligkeit danke ich meinem Schöpfer jeden Tag und wünsche allen meinen Mitmenschen dasselbe.

Das Quintett in C-Dur (KV 515) beginnt mit einem ausladenden Dialog zwischen Cello und erster Violine, der den größten Teil der umfangreichen Exposition einnimmt und sich zu kühnen Tonarten wie Des-Dur bewegt, bevor ein zweites Thema in der Dominanttonart erscheint. Die stark modulierende Durchführung zeugt von der vollendeten Meisterschaft des Komponisten. Das melancholische Andante erinnert an Lied und Oper und steht im Kontrast zur „anmutigen Nonchalance“ des Minuetto (Henri Ghéon), das dennoch in seinem Trio etwas von der Nostalgie des vorangegangenen Satzes bewahrt. Schließlich beschließt das weitläufige Rondo das Werk in einer Stimmung der Gelassenheit und des Friedens.

Diese Gelassenheit steht im Kontrast zu der beklemmenden Atmosphäre im Quintett in g moll (KV 516), das in einer Tonart geschrieben ist, die der Komponist selten verwendete und die unweigerlich mit Tragödien assoziiert wird. Das Eröffnungsthema erzeugt eine intensive Emotion, deren „Unruhe eine unbändige Angst verrät, die sich nach jedem vergeblichen Versuch, dem schicksalhaften g-Moll zu entkommen, nur noch verstärkt” (H. Halbreich). Das in Sonatenform gehaltene Allegro geht in der Reprise in eine neue Entwicklungsepisode über. „Die Originalität des ersten Satzes – in seiner Herangehensweise, seiner Farbigkeit, seinem Ausdruckswert, seinem Schluchzen – ist so groß, dass sie unsere Emotionen, unsere Bewunderung und unsere Überraschung erschöpft”, schrieb Henri Ghéon. Diese Emotion hält sich auch im Menuetto mit seinem zerklüfteten, synkopierten Rhythmus, dessen Trio schließlich einen Lichtblick in einem G-Dur-Ton der überwältigenden Einfachheit offenbart. Der amerikanische Musikwissenschaftler Alfred Einstein beschrieb das wunderbare Adagio, gespielt mit Dämpfern, als ein unbeschreibliches „Gebet einer isolierten Seele, umgeben von Abgründen“, so friedlich erhebt sich sein Thema in einem zutiefst religiösen Es-Dur, das bald von den ängstlichen Rufen der Bratsche verschlungen wird. Dann kommt ganz unerwartet ein neues Adagio, diesmal ohne Dämpfer, in dem die erste Violine eine lange Klage singt. Das finale Allegro bricht dann plötzlich in G-Dur und im 6/8-Takt hervor. Dieser Satz wurde zu Mozarts Zeiten viel kritisiert, aber dabei wird übersehen, dass man auch inmitten intensivsten Leidens noch den Wunsch verspüren kann, daraus hervorzugehen und ein wenig Freude zu suchen.

Das genaue Entstehungsdatum des Quintetts in c-Moll (KV 406) ist ungewiss. Es handelt sich um eine Transkription von Mozarts Serenade für Bläseroktett aus dem Jahr 1782. Nach Angaben der Biografen Brigitte und Jean Massin transkribierte Mozart seine Serenade aus finanziellen Gründen für Streicher; dies hätte dann die Quintette von 1787 und danach inspiriert. Das Allegro beginnt mit einem Unisono-Arpeggio, das bald einer gewissen rhythmischen Aggressivität weicht, die im Kontrast zum Andante in der parallelen Dur-Tonart steht; dieser friedliche 3/8-Satz zeigt Mozarts reichhaltige melodische Begabung. Das erstaunliche Minuetto ist ein Kanon zwischen der ersten Violine und dem Cello, mit einem Spiegelkanon im Trio! Es folgt ein martialisches und energiegeladenes Finale, das aus einem Thema und einer Reihe von sieben Variationen besteht.

Die Prägnanz dieses Quintetts rückt es näher an die beiden letzten, die nur wenige Monate auseinander komponiert wurden. Als Mozart 1790 sein Quintett in D-Dur (KV 593) schrieb, hatte er mehrere Monate lang so gut wie nichts komponiert, nachdem er eine katastrophale Reise nach Frankfurt hinter sich hatte und sich seine finanzielle Lage aufgrund einer politischen Kampagne gegen die Freimaurerei weiter verschlechterte. Dieses Werk wurde wahrscheinlich vom Freimaurer und Amateurgeiger Johann Tost in Auftrag gegeben, der bereits mehrere Quartette bei Haydn in Auftrag gegeben hatte. Seine langsame Einleitung – eine in Mozarts Kammermusikproduktion eher ungewöhnliche Praxis – kehrt am Ende des Satzes unerwartet zurück. Die Exposition baut auf einem einzigen Thema auf, dessen kontrapunktischer Reichtum dann im Dialog mit der ersten Bratsche weiterentwickelt wird. Das Adagio in G-Dur begeistert Musikliebhaber nach wie vor: „Es ist unglaublich, dass so viel musikalischer und menschlicher Reichtum in kaum hundert Takten zusammengefasst werden kann!”, lobte Harry Halbreich. Aber in Mozarts Werk verbindet sich erhabene Schönheit mit Einfachheit. Das Menuetto erinnert an das ländliche Leben, insbesondere in seinem zentralen Ländler. Das Thema des Finales ist schließlich eine absteigende chromatische Tonleiter, wie eine Untersuchung des Manuskripts ergab – eine fremde Hand hatte mehrere Noten in der am häufigsten verwendeten Fassung verändert. Dies unterstreicht die chromatische Kühnheit des Stücks und die Vorzüge seiner Entwicklung, zu der ein Fugato und zahlreiche kontrapunktische Kühnheiten gehören: Wie kann man nach der Sterilität von 1790 noch daran zweifeln, dass Mozarts Energie zurückgekehrt war? Auf dieses Quintett folgten mehrere Werke, darunter das letzte Klavierkonzert des Komponisten und Die Zauberflöte, die zur gleichen Zeit wie das letzte Quintett geschrieben wurde.

Ebenso wie sein Vorgänger von Johann Tost in Auftrag gegeben, bekundet das Quintett KV 614 durch seine Es-Dur-Tonart seine freimaurerische Absicht. Während das vorherige Werk kontrapunktisch war, schöpft dieses aus populären Inspirationen und echtem Optimismus. „Ist dies eine spirituelle Erleuchtung [...] oder [...] der Beginn einer neuen Ära, die von allen großen europäischen Geistern, die von der Philosophie der Aufklärung durchdrungen sind, begrüßt wird?“, fragen sich B. und J. Massin. Das dreiteilige Allegro di molto beschwört mit seinen von Unbeschwertheit – oder ist es Weisheit? – geprägten Themen eine ländliche Landschaft, eine Jagd herauf. Diese doppelte Atmosphäre kehrt im Thema und in den Variationen des Andante wieder, das zugleich transparent, einfach und ergreifend heiter ist. Es folgt ein durch und durch haydnisches Menuetto. Das finale Allegro scheint durch die häufige Wiederkehr seines Themas die Sonaten- und Rondoform zu vereinen, bevor eine kontrapunktische Entwicklung in sehr entfernte und selten verwendete Tonarten moduliert. Mozart beweist in diesem Quartett einmal mehr seine einzigartige Gabe, „das Gewöhnliche zu verwandeln” (H. Ghéon).

Übersetzung: Michelle Bulloch – Musitext

Quellen

Ghéon, Henri, Promenades avec Mozart, Desclées de Brouwer, Brügge, 1957, 484 Seiten.

Halbreich, Harry, „Wolfgang Amadeus Mozart”, in Guide de la musique de chambre, F.-R. Tranchefort (Hrsg.), Fayard, Paris, 1989, S. 653-665.

Massin, Brigitte, Massin, Jean, Wolfgang Amadeus Mozart, Fayard, Paris, 1970, 1270 S.

Oleg Kaskiv

Oleg Kaskiv ist ein angesehener ukrainischer Geiger und Pädagoge, der als künstlerischer Leiter und Professor für Violine an der Menuhin Academy in der Schweiz tätig ist. Seine Karriere verbindet nahtlos herausragende Auftritte auf den renommiertesten Bühnen der Welt mit einem tiefen Engagement für die Förderung der nächsten Generation von Geigern. Oleg Kaskiv wurde 1978 in Kremenets in der Ukraine geboren und begann seine musikalische Ausbildung an der nach Solomiya Krushelnytska benannten Musikschule in Lemberg (1985-1995). Er setzte sein Studium an der Nationalen Musikakademie in Lemberg fort, wo er von Tetiana Syrotiuk und Bohdan Kaskiv unterrichtet wurde (1996-2001). 1996 trat er in die Internationale Menuhin Musikakademie (IMMA) in der Schweiz ein, wo er bei Professor Alberto Lysy studierte.

Oleg Kaskiv ist Preisträger zahlreicher internationaler Violinwettbewerbe, darunter der Königin-Elisabeth-Wettbewerb in Brüssel, der Internationale Violinwettbewerb in Montreal, der Louis-Spohr-Wettbewerb in Weimar und der David-Oistrach-Wettbewerb in Odessa. Als Solist trat Oleg Kaskiv mit führenden Orchestern weltweit auf, darunter:

Camerata Lysy Gstaad, Camerata de Lausanne, Zürcher Sinfonieorchester, Nationalorchester Belgien, Montreal Symphony Orchestra, Baden-Baden Symphony Orchestra, Gstaad Festival Orchestra

Seine Darbietungen werden für ihre interpretatorische Tiefe und technische Meisterschaft gefeiert und begeistern das Publikum auf der ganzen Welt. Seit 2002 ist Oleg Kaskiv ein fester Bestandteil der Menuhin Academy, wo er zunächst als Assistenzprofessor tätig war. Im Laufe der Zeit übernahm er immer mehr Verantwortung innerhalb der Institution und übernahm schließlich die Aufgabe und das Erbe, die Violinfakultät zu leiten. Als Hauptprofessor für Violine hat er die pädagogische Tradition der Akademie weitergeführt und bereichert und eine Generation von Violinisten hervorgebracht, die internationale Anerkennung gefunden haben.

Seine Schüler haben sich bei vielen der renommiertesten internationalen Wettbewerbe der Welt – darunter Long-Thibaud, Nielsen, Kreisler, Spohr, Carl Flesch und anderen – ausgezeichnet und Anerkennung für ihre Kunstfertigkeit und technische Exzellenz erlangt. Die meisten seiner Schüler sind zu angesehenen Persönlichkeiten in der professionellen Musikwelt geworden – sowohl als Solisten auf internationalen Bühnen als auch als Mitglieder einiger der renommiertesten Orchester der Welt. Gemeinsam tragen sie das künstlerische Erbe der Menuhin Academy auf der internationalen Bühne weiter. Oleg Kaskiv ist aktiv an einer Vielzahl von Aufnahmeprojekten beteiligt, die sowohl seine Arbeit als Solist als auch als Kammermusiker widerspiegeln. Seine Diskografie umfasst:

F. Mendelssohn & A. Dorati – Oktette – Camerata Lysy (DINEMEC)

The Colours of Antonio Stradivari – Solorepertoire für Violine (Bach, Ysaÿe, Kreisler, Bloch), gespielt auf der Stradivari „Szigeti” von 1718 (Claves)

J. Svendsen & M. Bruch – Oktette – (Claves)

Die Farben von Antonio Stradivari, Oleg Kaskiv spielt die Irish Burgundy von ca. 1694. Beethoven: Konzert für Violine, Op. 61 – Violinkonzert – Gstaad Festival Orchestra (Claves)

Pierre Wissmer – Violinkonzerte – Sinfonia Varsovia (Claves)

Die Farben von Giuseppe Guarneri del Gesù – Sechs Sonaten für Solovioline von Eugène Ysaÿe (Claves)

Gesamtausgabe Claves: Oleg Kaskiv

Seine Aufnahmen werden von Kritikern und Publikum gleichermaßen für ihre künstlerische Exzellenz und ihre tiefgründige musikalische Einsicht hoch gelobt.

Alexander Grytsayenk, Violine

Alexander Grytsayenko wurde 1981 in der Ukraine geboren und studierte am Kiewer Konservatorium bei Tatiana Snijna, anschließend an der Tibor-Varga-Musikakademie in Sion bei Tibor Varga, Gyula Stuller und Francesco de Angelis. Während seines Studiums nahm er an Meisterkursen teil und arbeitete mit renommierten Lehrern zusammen: Jean-Jacques Kantorow, Viktor Pikayzen und Anna Chumachenko. 2005 erwarb er sein Konzertdiplom und 2008 sein Solistendiplom.

Er gewann mehrere internationale Wettbewerbe, darunter den Internationalen Wettbewerb Pierre Lantier in Paris, den Wettbewerb „New Names of Ukraine“ und den Internationalen Violinwettbewerb Bogodar Kotorovich. 2005 gewann er den zweiten Preis beim Internationalen Violinwettbewerb Andrea Postacchini (Italien) und 2006 erhielt er das Migros-Kulturprozent-Stipendium für Musik (Schweiz) und den ersten Preis beim Rahn-Musikpreis-Wettbewerb in Zürich. 2007 war er Preisträger der Jmanuel und Evamaria Schenk Stiftung (Schweiz).

Im Bereich Kammermusik wurde er von Gábor Tákacs-Nagy (Gründer des Takács Quartetts) unterrichtet und nahm an Meisterkursen an der Seiji Ozawa Academy in der Schweiz bei den Professoren Robert Mann (Gründer des Juilliard Quartetts), Pamela Frank, Nobuko Imai und Sadao Harada teil. Außerdem besuchte er die Opernorchesterakademie Zürich und spielte im La Scala Philharmonic Orchestra in Mailand. Er trat auch als Solist mit verschiedenen ukrainischen Orchestern auf, darunter dem Nationalen Symphonieorchester der Ukraine, dem Kiewer Kammerorchester, dem Odessa Philharmonic Orchestra und dem Kiewer Radio-Symphonieorchester. Seit 2008 ist er Konzertmeister der zweiten Violinen im Lausanne Chamber Orchestra.

Eli Karanfilova, Viola

Eli Karanfilova begann ihre musikalische Ausbildung im Alter von fünf Jahren mit dem Geigenspiel in ihrer Heimatstadt Varna in Bulgarien. Von 1997 bis 1999 war sie Konzertmeisterin des Neuen Symphonieorchesters Sofia, als sie ihr Studium an der Musikakademie Sofia abschloss.

Anschließend zog sie in die Schweiz, um an der Internationalen Menuhin Musikakademie bei Alberto Lysy, Johannes Eskaer und Ettore Causa zu studieren. Sie nahm an Meisterkursen bei Ruggiero Ricci, Tibor Varga und Paul Coletti teil und war Mitglied der Camerata Lysy, mit der sie durch Europa, Kanada und Südamerika tourte. Im Sommer 2003 wurde sie eingeladen, als Bratschistin beim World Orchestra for Peace in Moskau und Sankt Petersburg unter der Leitung von Valery Gergiev zu spielen. Anschließend trat sie dem Lausanne Chamber Orchestra als Solobratschistin bei und war bis 2005 Mitglied des Kammerensembles Modern Times Quartet. Sie spielt eine Bratsche, die 2009 von Stefan Peter Greiner gebaut wurde.

Valentyna Pryshlyak, Bratsche

Valentyna Pryshlyak stammt aus Lemberg in der Ukraine. Sie schloss ihr Studium an der Nationalen Musikakademie M. Lysenko in Lemberg mit einem Bachelor-Abschluss in Musik unter der Leitung von Professor Dmytro Komonko ab.

Ihre berufliche Laufbahn begann 2006, als sie dem INSO-Lviv Symphony Orchestra beitrat, wo sie bis 2011 ihr Talent als Solistin unter Beweis stellte. Während dieser Zeit verfeinerte sie ihre Fähigkeiten und sammelte wertvolle Erfahrungen bei Auftritten mit dem Orchester.

2011 wurde Valentyna Studentin an der International Menuhin Music Academy, wo sie von renommierten Musikern wie Ivan Vukcevic, Johannes Eskar, Sophia Reuter, Ettore Causa, Liviu Prunaru und Maxim Vengerov unterrichtet wurde. Sie war Mitglied des Quatuor „Lumière“ und erzielte bemerkenswerte Erfolge, darunter den 1. Preis beim Gianni Bergamo Classic Award 2012, den 3. Preis beim Internationalen Mozart-Wettbewerb 2014 und den Jeunesses Musicales Deutschland-Preis beim „Wigmore Hall International String Quartet Competition“ 2015.

Um ihre musikalische Ausbildung fortzusetzen, studierte Valentyna von 2014 bis 2019 an der Haute Ecole de Musique de Lausanne unter der Leitung von Professor Alexander Zemtsov. Während dieser Zeit verfeinerte sie ihre Fähigkeiten weiter und erweiterte ihren musikalischen Horizont. Seit 2014 ist sie Gastmusikerin im L’Orchestra della Svizzera Italiana. Darüber hinaus hatte sie von September 2016 bis 2017 eine Akademieposition beim Orchestra Musikkollegium Winterthur inne. Im Jahr 2019 erhielt Valentyna eine Stelle am Opernhaus Zürich, was einen bedeutenden Meilenstein in ihrer musikalischen Karriere darstellt.

Pablo de Naverán, Cello

Ausgebildet von großen Meistern wie Yehudi Menuhin, Alberto Lysy, Radu Aldulescu und Mihai Besedovschi, blickt Pablo de Naverán auf ein langes und reichhaltiges musikalisches Leben zurück und hat unzählige Konzerte auf der ganzen Welt gegeben. Bekannt für seine einzigartige Sensibilität, wird seine Diskografie von Kritikern und Publikum gleichermaßen begeistert gefeiert. Mit großem Engagement gibt er sein Wissen weiter und unterrichtet junge Talente aus aller Welt an der International Menuhin Music Academy.

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