(2026) Bicinia

2026-02-19T15:07:16+01:00

Une école d'écriture à deux voix

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À la manière d'un menu harmonieux composé de plusieurs plats haut de gamme, Sini Simonen et Alexandre Foster présentent des duos couvrant plus de quatre cents ans d'histoire musicale : une « entrée paysanne » de Martinů, un « entremet » élégiaque de Kaija Saariaho, le plat principal de Maurice Ravel, un plateau de fromages variés de Roland Moser et un dessert doux-amer d'Helena Winkelman. De courtes « mises en oreilles » d'Orlando di Lasso et György Ligeti ponctuent les plats, ouvrant les oreilles à de nouvelles expériences sonores.

I

Le Duo n° 2 de Bohuslav Martinu apparaît sur ce CD comme une peinture naïve : des harmonies majeures-mineures simples, des formes claires et des allusions à la musique folklorique. Il n'a fallu que quatre jours à Martinů pour composer cette pièce à la fin de l'année 1958. L'été précédent avait été le dernier qu'il avait passé dans une relative sérénité ; le compositeur espérait encore échapper au cancer de l'estomac qui lui coûta la vie quatorze mois plus tard. Le duo a été écrit à Schönenberg, près de Pratteln, non loin de Bâle. Le compositeur, grand voyageur, y passa les derniers mois de sa vie en tant qu'invité de Maja et Paul Sacher et bénéficia d'excellents soins médicaux. Grâce aux nombreuses commandes de Paul Sacher, Martinů était bien intégré dans la vie musicale bâloise. Le Duo n° 2 était également une commande, celle du musicologue bâlois Ernst Mohr, pour le 50e anniversaire de sa femme Trauti Mohr-Bally.

Sur le plan stylistique, cette œuvre en trois mouvements est très éloignée de tout ce qui était populaire dans la musique contemporaine de l'époque. Le premier mouvement rappelle le style néoclassique de Stravinsky. Le mouvement central, profondément triste, évoque l'adieu et est clairement influencé par la grave maladie de Martinů. Le dernier mouvement contient des échos de la musique folklorique de la patrie tchèque du compositeur, qu'il avait quittée en 1923 et où il ne retourna jamais après avoir fui les nazis. Dans l'œuvre tardive de Martinů, la patrie devient donc d'autant plus un point central de nostalgie.

L'œuvre n'a été créée qu'en 1962, trois ans après la mort de Martinů, par Hansheinz Schneeberger et Dieter Staehelin lors d'un concert privé à Bâle.

II

Ce CD contient trois motets particulièrement rares, tirés des 24 motets à deux voix Novae aliquot (Quelques nouveautés) d'Orlando di Lasso, qui sont joués en intermède entre les œuvres plus longues. Ils rappellent l'âge d'or de la composition à deux voix, qui a vu le jour il y a un millénaire, aux XIe et XIIe siècles, dans le duché d'Aquitaine, dans le sud de la France. Berceau des troubadours, cette région a été le foyer de la littérature européenne et a favorisé l'écriture sophistiquée à deux voix dans le monastère de Saint-Martial à Limoges. Encore dépourvu d'un système rythmique mesuré, le chant choral monophonique s'est enrichi d'une deuxième partie vocale, ajoutée comme voix parallèle, contre-voix ou voix variable et ornementale.

Malheureusement, cet âge d'or de l'écriture à deux voix n'a duré qu'une centaine d'années, car plus au nord, en France, la première notation rythmique mesurée a rapidement été développée à Notre-Dame de Paris. Cela a permis une coordination complexe des voix et a donné à Pérotin, plein de ressources, l'idée d'ajouter une troisième et même une quatrième voix. L'effet harmonique était saisissant, et l'écriture à trois et quatre voix est donc devenue de plus en plus la norme.

Cependant, l'écriture à deux voix est restée présente et est souvent apparue dans des pièces à quatre voix : ces sections à deux voix étaient alors appelées bicinia. Les motets à deux voix d'Orlando di Lasso, publiés en 1577, en sont des exemples tardifs. Le chanteur et compositeur, grand voyageur, les a écrits à l'apogée de sa carrière à la cour de Munich. Ils sont quelque peu en décalage avec la fin de la Renaissance, qui s'intéressait à la polyphonie. Lasso ouvre néanmoins ici une porte vers l'avenir, puisque douze des motets sont marqués « Sine Textu », ce qui signifie qu'ils doivent être interprétés par des instruments. Ce sont les seules pièces purement instrumentales de Lasso ; ces chefs-d'œuvre contrapuntiques oscillent entre un style vocal calme et une fascination pour les changements plus rapides rendus possibles par les instruments. Les voix sont étroitement liées. Sini Simonen et Alexandre Foster les interprètent en partie l'octave, ce qui renforce la qualité harmonique. Le 22e motet est toutefois joué dans un arrangement serré, ce qui permet à la complexité polyphonique de Lasso de s'épanouir.

III

Kaija Saariaho a initialement composé Aure pour violon et alto à l'occasion du 95e anniversaire de Henri Dutilleux. Son point de départ était la pièce de Dutilleux Shadows of Time (1996) pour orchestre et trois voix d'enfants. Elle a choisi le troisième mouvement, « Mémoire des ombres », dans lequel Dutilleux utilise des fragments du journal d'Anne Frank : « Pourquoi nous ? Pourquoi l'étoile ? » Sur la mélodie de ce passage du texte, Saariaho a composé une complainte explosive, interrogative, rédemptrice, insistante et sans conclusion proprement dite, car les questions d'Anne Frank doivent rester sans réponse.

IV

Dans l'ère harmonique qui a suivi 1600, la musique à deux voix a progressivement perdu de son prestige. Les ensembles de plus grande envergure ont alors dominé la production musicale. Cela a changé en 1920, lorsque Maurice Ravel a commencé à composer sa Sonate pour violon et violoncelle. Cette pièce est dédiée à la mémoire de Claude Debussy, décédé en 1918. Ravel y a travaillé très longtemps, ne la terminant qu'en 1922. Elle est devenue l'un des grands chefs-d'œuvre de l'histoire de la musique. On pourrait supposer que Ravel aurait imité les harmonies opulentes de Debussy dans cet hommage. C'est tout le contraire : la sonate est une œuvre musicale linéaire, très ciselée, très éloignée de tout impressionnisme. Ravel a cherché les voies futures que Debussy aurait pu emprunter, qui sont suggérées dans la linéarité des dernières œuvres de musique de chambre de Debussy. Ainsi, le deuil profond des premier et troisième mouvements contraste avec l'incursion dans l'univers de Zoltán Kodály et Béla Bartók du quatrième mouvement. Ravel lui-même considérait sa sonate comme un tournant dans son œuvre créative ; il avait écarté tout ce qui était superflu et était revenu à une musique linéaire. Il s'agit en effet d'une linéarité très raffinée. Le compositeur a réussi à créer des textures polyphoniques dans lesquelles les deux instruments sonnent parfois comme un quatuor à cordes. La première officielle, le 6 avril 1922, par Hélène Jourdan-Morhange et Maurice Maréchal, fut cependant un échec. La modernité de l'œuvre fut rejetée ; ce n'est que beaucoup plus tard que son génie et sa complexité furent reconnus.

V

Dans ses Drei Widmungen (Trois dédicaces), Roland Moser se révèle être un magicien du son qui crée des effets surprenants avec peu d'ingrédients. La Kleine chromatische Studie (Petite étude chromatique) a été écrite pour le 75e anniversaire du célèbre violoniste suisse Hansheinz Schneeberger, qui a créé la première œuvre de ce CD ; il s'agit d'une étude auditive dans laquelle l'espace chromatique semi-tonal est opposé au monde enharmonique des harmoniques naturelles et des flageolets. Moser s'intéresse aux extrêmes du violoncelle : les registres aigus et très aigus et les riches possibilités de mélanges alchimiques que permettent les flageolets complexes sur les cordes graves du violoncelle. Dans la Sarabande – dédiée à la violoncelliste Käthi Gohl, épouse du compositeur – les souvenirs de diverses sarabandes baroques résonnent comme à travers un voile dans le registre grave de l'instrument. La Barcarola est une paraphrase de la barcarolle des Contes d'Hoffmann de Jacques Offenbach (« Belle nuit, ô nuit d'amour, / Souris à nos ivresses ! / Nuit plus douce que le jour, / Ô belle nuit d'amour ! »). Elle porte la dédicace « per le due » et fait allusion à la longue relation amoureuse du couple. L'original d'Offenbach jaillit comme un délice pour les oreilles.

VI

L'Hommage à Hilding Rosenberg de György Ligeti est une pièce de choix enharmonique, à savoir une passacaille miniature dans laquelle le thème, composé d'une gamme descendante, est échangé de manière enharmonique. Les mêmes notes sonnent d'abord avec des altérations mineures, puis se transforment en altérations majeures à la fin : une navigation tonale vertigineuse en 25 mesures. Les quintes des cordes à vide sont également entendues en accompagnement. Cette miniature a été dédiée au chef d'orchestre et compositeur suédois Hilding Rosenberg pour son 90e anniversaire. En sous-titre, Ligeti a écrit « avec l'invocation de l'esprit de Bartók », une allusion à l'art de ce dernier de mettre en tension les éléments les plus simples.

VII

Helena Winkelman est à l'aise dans de nombreux domaines. La compositrice, violoniste et organisatrice de concerts évolue avec aisance entre la musique classique, le jazz et la musique folklorique suisse. Le duo Rondo mit einem Januskopf (Rondo à deux visages) fait partie des premières compositions de Winkelman. La tête de Janus représente la position polystylistique de Winkelman : un visage montre un jazz divertissant et vivant dans le style de Dave Brubeck, tandis que l'autre visage révèle, dans les sections centrales, des sons expérimentaux qui remettent en question le jeu joyeux.

Roman Brotbeck
Traduit du Français avec www.DeepL.com/Translator and Patrick Peikert

Sini Simonen

La violoniste finlandaise Sini Simonen mène une carrière internationale en tant que chambriste et soliste. Pendant douze ans, elle a été premier violon du Castalian String Quartet, se produisant dans le monde entier dans de grandes salles et résidant au Wigmore Hall ainsi qu'à l'université d'Oxford. Sini a travaillé en étroite collaboration avec des compositeurs tels que Thomas Adès, Charlotte Bray, Bent Sørensen et Mark-Anthony Turnage. Elle est régulièrement invitée à des festivals tels que ceux d'Aldeburgh, d'Édimbourg, de Kuhmo, d'OCM Prussia Cove et de Spoleto, et collabore fréquemment avec des artistes tels que Stephen Hough, Alasdair Beatson et Michael Collins.

Sa discographie comprend le Double concerto pour violon de Bach avec les Helsinki Strings, le Triple concerto de Bach avec l'Orchestre de chambre de Stuttgart et un album primé comprenant des quatuors de Beethoven et Adès, ainsi que ses propres arrangements de musique de la Renaissance.

Sini Simonen a étudié à l'Académie Sibelius, à la Hochschule für Musik Hannover et à la Musik-Akademie Basel, notamment avec Lara Lev et Rainer Schmidt. Les master classes et les collaborations avec Ferenc Rados, Rita Wagner et Sir András Schiff ont eu une influence artistique importante sur elle. Elle a remporté les premiers prix de concours internationaux de violon, notamment les concours Flesch, Lipizer et Cremona, et a également été récompensée aux concours de musique de chambre Brahms, Lyon, ARD et Banff

Elle est professeure de violon à la Royal Academy of Music de Londres.

Alexandre Foster

Le violoncelliste québécois Alexandre Foster mène une carrière qui englobe à la fois le répertoire baroque et la musique moderne. Cette double orientation artistique l'a conduit à se produire sur certaines des scènes les plus prestigieuses d'Europe, notamment la Casa da Música Porto, le KKL Lucerne et la Herkulessaal de Munich.

Animé par une passion pour la musique de chambre, il est membre fondateur du Calvino Trio, avec lequel il s'est produit dans le monde entier. Le trio a remporté le premier prix Norbert Schenkel au concours Jeunesses Musicales 2015, suivi du premier prix Orpheus au concours suisse de musique de chambre 2016. Alexandre Foster a également été membre du Basler Streichquartett et est, depuis de nombreuses années, violoncelliste principal de l'ensemble baroque Les Passions de l'Âme.

Sa discographie reflète son intérêt pour un large éventail de projets artistiques. Elle comprend notamment le premier enregistrement des quatuors pour piano de Beethoven sur instruments historiques (Dynamik), ainsi que l'enregistrement complet de l'Harmonia Artificioso-Ariosa de Heinrich Ignaz Franz Biber (Deutsche Harmonia Mundi), tous deux salués par la presse internationale. Son enregistrement solo pour violoncelle « Ist Klang der Sinn? », avec la participation de Heinz Holliger, a particulièrement attiré l'attention de la critique tant pour la complexité du programme que pour une interprétation qualifiée de « d'une intensité phénoménale » (Klassik-Heute).

Alexandre Foster a étudié avec David Ellis, Thomas Demenga, Conradin Brotbek, Rainer Schmidt, Anton Kernjak et Ferenc Rados, et a approfondi son engagement dans la pratique historique de l'interprétation sous la direction de Christophe Coin à la Schola Cantorum Basiliensis de Bâle. Parallèlement à sa carrière de concertiste, il poursuit une activité d'enseignement à l'international et est professeur de violoncelle à la Musik-Akademie der Stadt Basel depuis 2023.

Traduit du Français avec www.DeepL.com/Translator and Patrick Peikert

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REVIEWS

The Critic

"[..] Sini Simonen is a Finnish violinist who teaches at London’s Royal Academy of Music. Alexandre Foster is French-Canadian, professor of cello in Basle. Serious people who play as if this is their one shot at glory. They have turned my bleak week into an hour of hope and stories. This is what five stars are made for." - Norman Lebrecht, April 2026